Trois nouveaux films en compétition étaient projetés aujourd’hui mais comme le temps me manque, j’ai choisi d’évoquer les deux films les plus marquants de cette journée qui s’inscrivent d’ailleurs de nouveau dans la thématique leitmotiv évoquée ces deux précédents jours, un des deux films en question,  s’intitulant  même « Claustrophobia ». Depuis le début de la sélection, sont en effet projetés des films qui témoignent d’une Asie (d’un monde ?) suffocant, claustrophobe, épris d’une inaccessible liberté, et souffrant d’une douleur sourde. Si ces films témoignent d’une noirceur incontestable, ils témoignent aussi, une nouvelle fois de la richesse et la diversité du cinéma asiatique même s’il m’a semblé cette année moins inventif, et en tout cas moins poétique et lyrique, plus réaliste et brutal,  cherchant lui aussi, peut-être, son nouveau souffle.

« Claustrophobia » de Ivy Ho (Hong Kong)

Synopsis : Pearl, la vingtaine, travaille au sein du département marketing d'une entreprise. Elle se sent de plus en plus attirée par son supérieur, Tom, marié et père de famille. Elle est à son service depuis quelques temps déjà. Tom est un patron agréable, aimable et tolérant autant que faire se peut mais personne ne sait vraiment qui se cache derrière ce visage avenant.

Dès les premiers plans, dans l’habitacle étouffant de la voiture (où se déroulera une grande partie du film sans que ce ne soit jamais lénifiant ou répétitif), la tension est palpable. A l’arrière, une jeune femme, tristement rêveuse attire notre attention.  En sept scènes rétrospectives nous allons comprendre la raison de sa tristesse. Là où la construction (comme souvent) aurait pu concentrer toute l’attention de la réalisatrice et être le seul intérêt du film, c’est ici un véritable outil scénaristique qui renforce l’impression de claustrophobie, également temporelle puisque nous connaissons l’inéluctable issue. L’enfermement (que tout concourt à évoquer : la tentaculaire métropole hongkongaise, un aquarium etc) est autant celui d’un amour insoluble que celui de l’entreprise dans laquelle travaillent Pearl et Tom. Ce qui aurait pu être une banale histoire d’amour, par cette habile construction, devient une histoire palpitante dans laquelle la réalisatrice ausculte le moindre geste, le moindre regard, la moindre parole qui, pris à rebours, révèlent leur double et terrible sens. La réalisation se met évidemment subtilement au service de cette claustrophobie pour enfermer les visages dans le cadre. Ce qui aurait été simplement touchant, avec une banale chronologie devient alors poignant. Le tout est nimbé d’une lumière bleutée, d’une mélancolie qui révèle ainsi sa violence sans un bruit, sans un coup. Si ce n’est celui que nous porte ce film. Droit au cœur. « Claustrophobia » est le premier film en tant que réalisatrice de Ivy Ho, très reconnue en tant que scénariste et son talent d’écriture se ressent dans chacun de ses plans ou de ses mots auxquels notre attention qu’elle parvient à capturer et captiver ne cesse d’être suspendue du premier au dernier plan.

 « The Shaft » de Zhang Chi (Chine)

Synopsis : Trois histoires racontent la vie d'une famille de mineurs dans les montagnes de la chine occidentale. La fille veut démarrer une nouvelle vie mais doit choisir entre l'amour ou la réalisation de ses rêves. Son frère veut devenir chanteur plutôt que mineur. Enfin, le père, tout juste retraité, essaie de retrouver sa femme disparue.

 Il y a des films qui, par la grâce de leur mise en scène, vous happent dès leurs premiers plans, empreints comme ici d’un silence aussi profond et lourd de sens que monotone, et d’une tragique beauté. Les paysages, de désolation, de déconstruction, saisissants de tristesse, reflètent savamment  celle des personnages, et leur avenir déjà en ruines. Zhang Chi ne juge jamais ses personnages mais les accompagne dans leur morne quotidien, mais aussi dans leurs relations empreintes de pudeur, avec beaucoup de finesse et de tact. Si cette histoire est profondément ancrée dans un cadre spatiotemporel bien précis, elle rejoint l’universel en nous parlant de rêves qui achoppent ou qui renaissent,  de rêves d’un ailleurs et d’un avenir inaccessibles, et d’un espoir qui surgit de celui dont on l’attendait le moins, et nous porte et nous emporte sur cette magnifique route qui serpente, certes, mais qui monte malgré tout, chemine vers un avenir peut-être meilleur. Un film qui nous bouleverse en silence. Probablement un des lauréats de cette 11ème édition qui porte les germes d’un grand réalisateur et fait beaucoup songer à Jia Zhang Ke dont il évoque d’ailleurs un des thèmes fétiches :celui des disparités et des contradictions d’un pays en pleine mutation.

A  suivre demain soir sur « In the mood for Deauville » : l’intégralité du palmarès en vidéos et images, un palmarès que je commenterai évidemment ayant vu tous les films de la compétition (je verrai « All around us » demain). Suite à un petit problème de mise en ligne des vidéos, pas de vidéos aujourd’hui mais vous pourrez prochainement retrouver ici toutes les vidéos de présentation des films ainsi que celles de l’hommage à Lee Chang-dong. Je vous reparlerai également ultérieurement de ces films qui le méritent, réellement. Demain matin sera projeté le dernier film de cette compétition officielle. Ceux que je vous recommande pour le moment : « Claustrophobia », « L’enfant de Kaboul », « Firaaq », « Naked of defenses », « Trivial matters »  et évidemment « The shaft . »

 Sandra.M

Un film coréen, un film franco-afghan  et un film Taïwanais étaient aujourd’hui au programme de la compétition de ce 11ème Festival du Film Asiatique de Deauville. Pas encore de coup de cœur dans cette sélection bien sombre (mais néanmoins de qualité) mais des voyages toujours instructifs, parfois poignants ou insolites,  à défaut d’être inoubliables. Bref compte rendu de cette journée de compétition.

 « Breathless » de Yang Ik-June (Corée)

Synopsis : Sang-hoon, dont la mère et la sœur meurent devant ses yeux lorsqu'il était encore enfant, a grandi avec la rage au ventre et une haine farouche envers son père, jugé responsable du drame. un jour, Sang-hoon fait la connaissance de Yeon-hee, une jeune adolescente. Au fur et à mesure de leurs rencontres, ils vont se retrouver eux-mêmes…

 Malgré d’évidentes qualités de jeu et direction d’acteurs ( c’est le premier film en tant que réalisateur de l’acteur Yang Ik-June qui interprète aussi le rôle principal) et un sujet fort, malgré le lien singulier de ces deux écorchés vifs qui se raccrochent l’un à l’autre, finalement touchants, malgré le talent de son réalisateur pour traduire la douleur indicible à travers cette violence irrépressible,  « Breathless » perd malheureusement en force et crédibilité à accumuler les coïncidences et drames (la violence des personnages s’explique, parfois maladroitement d’ailleurs, par celle qu’ils  subissent eux-mêmes ou ont subi, tous sont des enfants ou femmes battus). Un film dont chaque lueur d’espoir est rapidement éteinte par un nouveau drame et dont la violence inextinguible jusqu’au dernier souffle, jusqu’à la dernière seconde fait aussi suffoquer le spectateur, et le lasse finalement plus qu’il ne le marque.  Un film qui porte à son paroxysme la difficulté de communiquer (thème commun aux films en compétition dont je vous parlais hier et  que l’on retrouve donc ici), et même de respirer.

 « Island etude » de En Chen (Taïwan)

Synopsis : Avant de terminer ses études universitaires, un jeune homme malentendant décide de longer les côtes taïwanaises à vélo, sa guitare en bandoulière, afin de faire le tour de l'île en sept jours…

Voilà un film qui détone dans une sélection bien sombre. On attend à tout moment le drame qui va survenir. Le traumatisme qui va surgir. La noirceur qui va s’abattre sur ces paysages enchanteurs. Mais non, rien. « Island etude » est une balade rafraîchissante illuminée par la présence de son acteur principal et une photographie lumineuse (En Chen dont c’est le premier film en tant que réalisateur était chef opérateur notamment de Hou Hsiao-Hsien) que l’on rêverait presque de voir s’assombrir un instant, ne serait-ce que pour le plaisir de voir ressurgir la lumière. Une route jalonnée de rencontres, parfois artificielles.  Après le film précèdent, « Island etude » nous permet de retrouver notre souffle même si ce film en manque indéniablement. Une belle promenade qui manque d’horizon(s).

 « L’enfant de Kaboul » de Barmak Akram (France et Afghanistan)

Synopsis :  Kaboul. Afghanistan. Khaled, un chauffeur de taxi, découvre dans son véhicule un bébé abandonné par une femme voilée. Comment la retrouver ? Comment se débarrasser de cet encombrant colis ? Et s'il gardait le petit garçon, lui qui n'a que des filles ?

Ce voyage là est sans aucun doute beaucoup plus marquant que celui auquel nous invitait le film précèdent. Sans doute aussi le plus marquant de ce festival. Parce qu’il se déroule à Kaboul,  ici véritable personnage, que nous méconnaissons évidemment et que Barmak Akram a l’intelligence de nous faire découvrir avec une précision documentaire tout en racontant une histoire, et en y distillant des moments plus drôles, nous permettant de reprendre notre souffle (oui, il est encore question de souffle) dans cette course effrénée dans une ville pas encore apaisée. Kaboul : ville plongée dans l’obscur(antisme)ité qui n’aspire qu’à la lumière. Ville grouillante, bruyante, chaotique, blessée mais  qui réapprend à vivre après le départ des Talibans malgré les menaces qui planent. La mise en scène, d’abord, nerveuse du début, s’assagit au fur et à mesure que Khaled se responsabilise, et ne nous lâche en tout cas jamais. Ville sous tension qui goûte à sa fragile et relative liberté. Ville tragique et détruite dans un écrin sublime. Au fond c’est de deux enfants dont il est question ici, et son titre est presque un pléonasme. Un enfant qui vient de naitre. Une ville qui renait, balbutie, est effrayée aussi. Et un nouveau cinéma qui nait sur des champs de ruine alors  que certains le voient déjà mort (cf propos du réalisateur, voir vidéo ci-dessus, à venir, demain...). Tandis que nous suivons Khaled qui cherche à placer l’enfant, nous découvrons Kaboul mieux qu’à travers n’importe quel documentaire, nous découvrons aussi la condition, difficile, des femmes et celle des orphelins. Sans jamais que cela soit didactique, ennuyeux. Un enfant de Kaboul qui nous donne envie de mieux le connaître, le voir grandir et s’émanciper, à la rencontre duquel je vous encourage vivement d’aller.

Contrairement aux autres films de cette compétition, ce film franco-afghan (écrit par Barmak Akram avec la collaboration de Jean-Claude Carrière), produit par Fidélité, sortira en France le 29 Avril. Je vous en reparlerai plus longuement au moment de sa sortie.

Site officiel du film: http://www.enfantdekaboul-lefilm.com/

Une petite promenade salutaire sous le soleil couchant de Deauville pour se remettre de ces émotions cinématographiques...:

Après "Firaq" de Nandita Das dont je vous parlais hier, la compétition officielle se poursuivait aujourd'hui avec 3 autres films: un film japonais ("Naked of defenses" de Ichii Masashide), un film en provenance de Hong Kong ("Trivial matters" de Pang Ho-Cheung), un film du Kirghizstan, nationalité pour la première fois présente à Deauville ("Chant des mers du Sud" de Marat Sarulu.)

Aussi modeste soit ce festival (autant que son "cousin" américain de septembre peut être exubérant, parfois), en particulier cette année, c'est toujours un immense plaisir d'y assister pour le voyage aux confins de l'Asie auquel il convie, notamment parce que les films qu'il nous propose sont aussi divers et riches que les pays que compte le continent asiatique. Poétiques, violents, languissants, émouvants, contemplatifs... tant d'autres adjectifs encore pourraient s'appliquer à ce cinéma qui ne cesse de me surprendre, me charmer, me choquer (dans le bon sens du terme).

Très différents aussi étaient ces quatre premiers films en compétition même si on peut déjà en dégager une thématique commune: la difficulté de communiquer, que ce soit dans la sphère privée ou publique, entre russes et kazakhs ("Chant des mers du Sud"), entre hindous et musulmans( "Firaaq"), entre un mari et sa femme ("Naked of defenses")ou entre des amies, des amants, des époux ("Trivial matters"). Ce qui caractérise sans doute notre société, européenne ou asiatique, la déshumanise aussi parfois. Ces films mettent aussi le plus souvent en scène des personnages qui ont aussi soif de liberté.

"Trivial matters" de Pang Ho-Cheung (Hong Kong)

Synopsis: Sept histoires courtes sur le libre arbitre qui sont en fait le reflet de la comédie humaine agencée par dieu pour s'amuser. certaines histoires se terminent sur des malentendus, d'autres commencent par des malentendus…

Si Pang-Ho Cheung avait voulu montrer à quel point sa réalisation pouvait s'adapter à tous les types de films et faire une démonstration de style, il n'aurait pas choisi meilleurs sujets. Film d'action, comédie romantique, comédie, film réaliste... En 7 histoires, il expérimente différents genres avec un brio incontestable, une écriture précise, des personnages ciselés malgré le peu de temps imparti à chacun. Ce film est adapté de nouvelles que Pang Ho-Cheung a lui-même écrites et c'est sans doute la raison pour laquelle chaque histoire nous embarque immédiatement malgré les ruptures de ton et de rythme. Il est dommage de ne pas avoir essayé de les lier davantage encore malgré d'habiles transitions, des personnages présents dans plusieurs histoires et une thématique commune. Malgré tout on ne peut s'empêcher de voir 7 courts-métrages, certes très réussis, et qui témoignent d'une grande maîtrise, d'un ton décalé, parfois irrévérencieux, voire absurde. Autant d'histoires, de styles que d'émotions et le réalisateur semble passer des unes aux autres avec une facilité déconcertante (dans l'écriture comme dans la mise en scène qui épouse chaque style) qui ne peut que forcer notre admiration. Chaque histoire pourrait donner lieu à un long métrage. Si les faits, pris séparément, sont triviaux (le double sens de ce mot n'est ici pas du tout anecdotique), leur mise en parallèle leur donne de l'importance, de même qu'à ce film hybride et singulier.

Présentation du film "Naked of defenses" par son réalisateur... et ses deux acteurs. (vidéo ci-dessous)

Le réalisateur Marat Sarulu présente "Chant des mers du Sud" ( vidéo ci-dessous):

Alors que ce soir a lieu l’hommage à l’actrice Parker Posey avec la projection de « Broken English » déjà projeté au festival l’an passé ( !?) et que j’ai donc déjà vu, je profite de cette soirée, non seulement pour prendre un peu de recul par rapport au tourbillon d’images, d’émotions et d'instants insolites mêlés, entrelacés et démultipliés , inhérents à tout festival, et à celui-ci en particulier, mais aussi pour faire un premier bilan de la compétition.

 Hier débutait la compétition officielle : 4 films de cette section ont déjà été projetés dont deux premiers films  « All god’s children  can dance » et « Smart people ». Des personnages fragiles, un douloureux passage à l’adolescence, voire des vies meurtries : ces films reflètent un visage sombre de l’Amérique. Inquiète.  Vulnérable. Fébrile. Egarée. En recherche d’une figure paternaliste. Ces 4 films présentent néanmoins de nombreuses divergences. Je m’arrêterai uniquement sur l’un d’entre eux, véritable premier choc de cette compétition : « Gardens of the night » de Damian Harris. (Le titre provient d’un poème de Robert Bridges : My delight and thy delight, like two angels white, in the gardens of the night ». )

 Quant aux autres :

- la place de « Smart people » dans la compétition est quelque peu incongrue tant ce film réunit tous les poncifs des séries américaines les plus naïves, aussi classique et formaté dans son sujet, son interprétation que sa réalisation. Aussitôt vu, aussitôt oublié.

-« All God’s children can dance » adapté d’une nouvelle singe le cinéma asiatique par son côté contemplatif sans parvenir à sa hauteur, nous donnant l’impression de voir un court-métrage ou un long inabouti dans cette quête du Père et/ou du père, quête initiatique présomptueuse dans le quartier coréen de Los Angeles.

-« Snow Angels » qui dissèque les circonstances d’un drame dans une petite ville de Pennsylvanie et qui est là aussi un parcours initiatique  pour un adolescent qui vit son premier amour et doit supporter la séparation de ses parents, se révèle particulièrement humain dans son analyse d’actes inhumains, des personnages complexes, ordinaires poussés dans des situations d’une horreur extraordinaire. Le scénario habilement ficelé contribue à donner cette impression de situation étouffante et inextricable malgré laquelle  la neige finira par tomber, recouvrant l’horreur comme si de rien n’était.

 Mais le vrai choc du début de cette compétition c’est « Gardens of the night » qui nous fait suivre Leslie (et voir le monde et son histoire à travers ses yeux innocents de jeune  « Cendrillon »), une jeune fille de 17 ans qui mène une existence difficile dans les rues de San Diego en compagnie de son ami d’enfance Donnie le seul à veiller sur elle. Tous les deux tentent de surmonter le traumatisme qu’ils ont vécu neuf ans auparavant.

Le film est divisé en deux partie : dans la première Leslie est encore une enfant et nous découvrons son histoire (elle a été enlevée par et pour des pédophiles) à travers son regard. Dans la deuxième, elle a 17 ans et tente de survivre au passé et au présent.

Le sujet aurait pu donner lieu à un film scabreux mais le premier témoignage du talent de son réalisateur est son absence totale de voyeurisme, de complaisance, lié d’une part à l’utilisation judicieuse du hors-champ, d’autre part au mode narratif et visuel qui s’apparent au conte de fée, à la fable. L’aspect angélique, innocent de la petite fille contraste avec l’horreur de ce qu’elle vit. Le contraste entre son regard, presque onirique, et la réalité exacerbe encore l’âpreté de ce qu’elle vit même si c’est visuellement plus supportable.

Le film s’achève sur une fin ouverte mais aussi sur une note d’espoir, le réalisateur ayant délibérément choisi une fin relativement optimiste de même que l’acteur Tom Arnold qui a raconté en conférence de presse avoir vécu la même chose enfant, troublante et terrible coïncidence, dans la même ville  de surcroît: San Diego et avoir aussi accepté ce film  en raison de sa note d’espoir finale, et avec l’objectif de démontrer que, même si la blessure demeure incurable, il est toujours possible d’aller de l’avant.

Un travail considérable a aussi été fait sur la lumière, le film a par ailleurs été entièrement storyboardé.

L’équipe du film a été très applaudie, même en conférence de presse.

En préambule de sa présentation au CID, le réalisateur avait précisé qu’il souhaitait émouvoir et pas forcément plaire : objectif réussi.

Et au-delà des qualités du film (de mise en scène, de traitement habile d’un sujet difficile), son sujet, l’enfance meurtrie, auquel la présidente de ce jury 2008, Carole Bouquet est particulièrement sensible, pourrait aussi contribuer à le faire figurer au palmarès.

Un film sensible, émouvant, qui nous fait voir l’horreur à travers les yeux de l’innocence. Un gouffre lumineux, grâce au regard de celle qui s’en échappe, trouvant sa vraie famille. Une histoire d’horreurs et d’amour. Celle de Cendrillon au pays de l’abjection. Le premier vrai choc de cette compétition.

A suivre sur "In the mood for Deauville": l'hommage à Spike Lee demain soir et la suite de la compétition...

Sandra.M

Comme chaque année, depuis 1995, la compétition de films indépendants constituera un des temps forts du festival avec notamment 5 premiers films sur les 11 que compte la compétition. C'est parmi ces 11 films que le jury présidé par Carole Bouquet devra choisir le Grand Prix et le Prix du Jury dévoilés le dimanche 14 septembre 2008.

Cliquez ici pour lire mes articles sur la compétition officielle 2007.

AFTERSCHOOL 1er film de Antonio Campos

Avec Ezra Miller, Jeremy White, Emory Cohen, Michael Stuhlbarg, Addison Timlin

Pitch: Robert, étudiant américain dans une prestigieuse école préparatoire de la côte Est, filme par hasard la mort tragique de deux camarades de classe. Leurs vies deviennent le sujet d'un projet audiovisuel conçu par la direction pour accélérer le processus de deuil collectif.

ALL GOD’S CHILDREN CAN DANCE 1er film de Robert Logevall

Avec Jason Lew, Joan Chen, Sonja Kinski, Tzi Ma

Un jeune homme qui vit dans le quartier coréen de Los Angeles est persuadé depuis l’enfance qu’il est le fils de Dieu car sa mère le lui a toujours dit. Un jour, il décide de suivre à travers la ville un homme qui pourrait être son père…

AMERICAN SON de Neil Abramson

Avec Nick Cannon, Melonie Diaz, Matt O’Leary, Chi McBride

Pitch: Un Marine de dix-neuf ans passe les fêtes de Thanksgiving en famille avant d’être envoyé en Irak. Il tombe éperdument amoureux d’une jeune fille mais cet amour est assombri par sa crainte de ne jamais revenir parmi les siens…

BALLAST 1er film de Lance Hammer

Avec Micheal J. Smith, Sir Jimmyron Ross, Tarra Riggs, Johnny McPhail

Pitch: Lawrence et son frère habitent ensemble dans une petite ville du Mississippi. Ils ont comme voisine Marlee, une mère célibataire qui élève seule James, son fils de douze ans. La mort inattendue du frère de Lawrence va bouleverser profondément leurs vies.

GARDENS OF THE NIGHT de Damian Harris

Avec Tom Arnold, Gillian Jacobs, Evan Ross, Ryan Simpkins, John Malkovich

Pitch: Leslie, dix-sept ans, mène une existence difficile dans les rues de San Diego en compagnie de son ami d’enfance Donnie, le seul à veiller sur elle. Tous les deux tentent de surmonter le traumatisme qu’ils ont subi neuf ans auparavant…

MOMMA’S MAN de Azazel Jacobs

Avec Matt Boren, Ken Jacobs, Flo Jacobs, Dana Varon, Richard Edson

Pitch: Mikey, la trentaine, se rend à New York pour un voyage d’affaires et s’installe chez ses parents. Une fois son travail terminé, au lieu de rentrer chez lui auprès de sa femme et de son nouveau né, il trouve une excuse pour rester plus longtemps. Beaucoup plus longtemps…

SMART PEOPLE 1er film de Noam Murro

Avec Dennis Quaid, Sarah Jessica Parker, Ellen Page

Pitch: Lawrence Wetherhold est un brillant professeur de littérature veuf et taciturne qui ne parle plus à son fils et qui a réussi à rendre sa fille peu avenante et incapable d’avoir des amis. Après avoir subi un choc à la tête, il tombe amoureux de Janet, une de ses anciennes élèves devenue docteur. Au même moment, son frère adoptif fait irruption dans sa vie…

SNOW ANGELS de David Gordon Green

Avec Kate Beckinsale, Sam Rockwell, Michael Angarano, Griffin Dunne

Pitch: Dans une petite ville de Pennsylvanie, un adolescent qui découvre son premier amour doit supporter la séparation de ses parents. Pendant ce temps, une mère de famille, harcelée par son ex-mari, tente de surmonter un terrible drame personnel.

SUNSHINE CLEANING de Christine Jeffs

Avec Amy Adams, Emily Blunt, Alan Arkin, Mary Lynn Rajskub, Eric Christian Olsen

Pitch: Rose Lorkowski est une mère célibataire qui travaille comme femme de ménage. Afin de payer l’inscription de son fils dans une école privée, elle décide de créer avec sa soeur une entreprise spécialisée dans le nettoyage des scènes de crimes.

TOWELHEAD 1er film de Alan Ball

Avec Summer Bishil, Aaron Eckhart, Peter Macdissi, Toni Collette, Maria Bello

Pitch: Jasira désire quelque chose qu’elle n’arrive pas vraiment à définir : est-ce de l’affection, de l’amour, de la reconnaissance ou bien tout simplement une vie normale ? Malheureusement elle ne sait pas comment l’obtenir. Lorsque sa mère l’envoie à Houston pour vivre chez son père Libanais, un homme à l’éducation stricte qui s’emporte facilement, Jasira apprend rapidement à lui cacher certaines choses…

THE VISITOR de Tom McCarthy

Avec Richard Jenkins, Hiam Abbass, Amir Arison, Haaz Sleiman

Pitch: Walter Vale, soixante-deux ans, n’est plus guère passionné par l’enseignement et l’écriture. Il remplit sa morne existence en essayant d’apprendre à jouer du piano. Envoyé par ses pairs à New York pour assister à une conférence, Walter trouve un jeune couple d’immigrés clandestins dans son appartement…

 Si cette année, le Festival du Cinéma Américain de Deauville s’est surtout démarqué par ses Premières et son avalanche d’étoiles du septième art, la compétition officielle par la diversité des films présentés a également rempli la salle du CID malgré la noirceur de certains films et notamment du film lauréat  du Grand Prix« The dead girl ».

Pour moi quatre films se démarquaient de cette compétition (tout en précisant que je n’ai vu que 8 films de la compétition sur 11, le don d’ubiquité serait bien utile pour les festivaliers…) : « Rocket science », « Never Forever », « The dead girl » et « Factory girl ».

 Le premier de ces 4 films, déjà primé à Sundance et signé Jeffrey Blitz, est un film sur l’adolescence, thème que le festival de Deauville affectionne chaque année tout particulièrement pour sa compétition officielle. "Rocket science" se démarque des films sur ce même thème par son écriture, singulière, précise, mélodieuse et poétique, voire surréaliste, par le talent de ses jeunes interprètes, par l’universalité des sentiments qu’il retranscrit, par l’ingratitude de l’adolescence qu’il traduit. Blitz s’est inspiré de son expérience personnelle (lui-même bégayait et excellait dans les concours  de débats).  Contrairement à nombre de films américains sur ce même thème, il ne fait pas l’apologie de l’excellence, n’est pas moralisateur et ne nous endort pas par une naïveté confondante. Il prône plutôt le dépassement de soi,  l’apprentissage de la confiance en soi malgré les difficultés de l’existence qu’il n’élude pas (parents divorcés, un bégaiement qui ne se guérira pas miraculeusement).  Blitz avait déjà été nommé aux Oscars pour « Spellbound » un documentaire sur les concours d’épellation nationaux. « Rocket science » a également été primée à Sundance. Le jury de la révélation Cartier présidé par Gaël Morel lui a décerné son prix.

Vient ensuite « Never Forever » mon grand favori de cette compétition 2007, très « in the mood for love », très « Wong Kar Waiesque »,  qui se démarque des deux comédies romantiques de cette compétition que j’évoquerai ensuite brièvement. Gina Kim parvient à instaurer une tension passionnelle par des détails et des gestes qui deviennent essentiels et déterminants, par la manière dont elle filme et magnifie Vera Farmiga (les nuances de son jeu sont remarquables) en proie aux doutes, écartelée entre deux hommes si semblables physiquement, si dissemblables dans leur histoire,  écartelée entre raison et passion, son altruisme et l'égoïsme de ses désirs, par l’intensité et presque la ferveur qu’elle met dans chaque plan. Le spectateur est hypnotisé, captivé et enserré  dans cette histoire apparemment insoluble.   La passion charnelle qui envahit les deux personnages principaux transpire et émane de l’écran. Le film aurait pu être scabreux ( Afin de sauver à tout prix son couple son mari coréen ne pouvant pas avoir d’enfants, Sophie va payer un travailleur clandestin venu de Corée pour qu’il lui fasse un enfant…), il est envoûtant. Avec beaucoup de pudeur et de sensibilité, Gina Kim filme le malaise qui se transforme en désir puis en amour et dresse un magnifique portrait de femme amoureuse guidée par ses sentiments et en proie aux affres de la passion irrépressible. Dans un cinéma qui filme de plus en plus la vie en noir et blanc, ou simplement en rose, ce film d’un rouge éclatant est bouleversant, malgré (et à cause de ) sa lumière crépusculaire, il   dépasse de loin les autres films la compétition. Gina Kim filme l’ambiguïté des sentiments, le désir amoureux -et le désir d’enfant-,  avec en toile de fond l’immigration clandestine. Son film est un « thriller amoureux ».  Gina Kim c’est le mariage de Truffaut et Wong Kar Wai.  Je vous invite donc à voir ce « Never forever » qui nous immerge dans la fragilité des sentiments. A jamais ou pour toujours. Never ou forever. Si on ne peut jamais dire toujours, l’important  c’est d’aimer… « Never forever » a reçu le prix du jury de ce 33ème Festival du Cinéma Américain pour son « mystère » et son « audace » qui a « touché » le jury comme l’a souligné André Téchiné.

Le troisième film de la compétition officielle qui a attiré mon attention est « Factory girl » de George Hickenlooper. (Arrivée à New York en proie à la frénésie du milieu des années 60, Edie Sedgwick rencontre Andy Warhol qui voit en sa vulnérabilité farouche l’étoffe d’une irrésistible muse. Edie se retrouve rapidement au cœur d’un monde en pleine révolution artistique et gorgé de sexe, de drogues et de rock’n’roll). « Factory girl » est un portrait sans concessions des années 60 (en préambule, son réalisateur précise que le film a suscité une polémique lors de sa sortie américaine, le portrait qu’il dresse des années 60 et surtout de Warhol ayant parfois suscité la controverse). A l’image de son sujet, le début du film est apparemment superficiel et excessif, les images paraissent trop lisses et artificielles,  puis le film se révèle plus subtil qu’il ne le paraissait de prime abord et il met à jour des blessures plus profondes. Davantage que de par son portrait et sa vision personnelle des années 60 c’est par les questions qu’il pose sur la création que « Factory girl » est intéressant. L’art est-il toujours destructeur ? Doit-il se faire au détriment des autres ? A défaut de le valoriser, il dresse aussi un portrait passionnant d’Andy Warhol, prêt à tout pour plusieurs « quarts d’heure de célébrité » à commencer par dévorer ses muses. L’art libère et dévore. C’est un animal fascinant et dangereux…

Le dernier film de la compétition à avoir attiré mon attention, est celui qui a remporté le « Grand prix » : « Dead girl » de Karen Moncrieff, un film âpre et minimaliste dans le fond comme dans la forme, que la réalisatrice définit comme témoignage d’un monde où le danger est constant mais aussi comme porteur d’espoir. A travers la découverte du corps mutilé d’une jeune fille dans un champ aux abords de Los Angeles, elle va dresser le portrait de plusieurs personnes étrangères les unes aux autres mais liées d’une manière ou d’une autre à ce meurtre brutal qui va les bouleverser. Les visages et les corps sont filmés sans artifices, dans leur impitoyable et sombre réalité et désespérance, qui reflètent la souffrance intérieure des personnages. C’est cette implacable réalité qui nous saisit de plein fouet et que Karen Moncrieff filme avec une véracité saisissante, de même que les douleurs à vif derrière ces visages las de l’existence. Cinq portraits de femmes marquées, blessées par l’existence. Karen Moncrieff a indéniablement le talent de dépeindre des personnages et leurs zones d’ombre et de désespoir. Toni Collette qui interprète la femme qui découvre le corps est impressionnante tant par son jeu que par l’étrangeté douloureuse de son personnage. Une construction astucieuse, une écriture précise pour un film suffocant qui ne laisse filtrer qu’une faible lueur d’espoir dans un univers condamné à la violence. Selon la réalisatrice "l’écran sombre" sert à « panser les plaies » de l’humanité, à défaut de les guérir. Noble dessein.  « Un film d’une puissance absolument époustouflante » selon André Téchiné , le président du jury qui a couronné « The dead girl » du grand prix du 33ème Festival du Cinéma Américain de Deauville, le faisant ainsi succéder à « Little miss sunshine »...

 Avec « Grace is gone » la violence est toujours hors champ. Stanley Phillips, fervent patriote et père de deux enfants, est accablé de tristesse lorsqu’il apprend que sa femme Grace  a été tuée en Irak. N’arrivant pas à trouver la force d’annoncer cette terrible nouvelle à ses deux petites filles, il décide de les emmener dans leur parc d’attraction préféré. Trois films pendant ce festival ont ainsi évoqué la guerre en Irak : « Redacted » de Brian de Palma, « Dans la vallée d’Elah » de Paul Haggis (voir article ici)  et « Grace is gone ». Les trois ont été longuement ovationnés par le public comme si notre empathie pour le sujet nous aveuglait et empêchait tout jugement cinématographique. Si James C. Strouse sait incontestablement filmer la tristesse, il ne nous épargne aucun effet : gros plan sur les larmes, musique outrancière… Le film a ému le public et semble-t-il la critique internationale qui lui a remis son prix.

La comédie romantique sirupeuse n’était pas non plus absente de la compétition avec « Broken English » de Zoe Cassavetes et « Ira et Abby » de Robert Cary.  Deux quêtes de l’amour de trentenaires, deux films parmi tant d’autres sur le même sujet. Le premier réunissait pourtant un casting de choix : Gena Rowlands (qui a eu droit à une standing ovation lors de la cérémonie de clôture, Vera Farmiga, très émue de s'exprimer en sa présence, a par ailleurs souligné à quel point elle l'avait inspiré), Parker Posey (surtout formidable  dans « Factory girl ») et Melvil Poupaud qui incarne la caricature du « French lover ». Dommage que le film aligne autant de clichés : sur les trentenaires, sur Paris, dans les diaolgues, et que ses situations soient aussi improbables…

Quant au second, le réalisateur a visiblement vu trop de films de Woody Allen (l’anti-héros est juif-new-yoarkais-mal-dans-sa-peau-adepte-des-psys)et ne fait malheureusement que le singer malgré deux personnages attachants.

Enfin « For your consideration », une comédie à Hollywood où un tournage de film se voit bouleversé parce que ses acteurs sont pressentis pour les Oscars. Là encore foule de clichés sur le cinéma et ses travers, sur la soif de célébrité et le cynisme de ceux qui gravitent autour.  Le sujet est caricaturé et survolé, dommage : on sourit, parfois.

Sandra.M