Entre glamour et engagement. Entre rêves fragiles, âpres réalités et espoirs tenaces.
« Ni le feu ni la glace ne sauraient atteindre en intensité ce qu’enferme un homme dans les illusions de son cœur. »
« Ces rêveries servirent un temps d'exutoire à son imagination ; elles étaient une allusion satisfaisante à l'irréalité de la réalité, l'assurance que ce rocher, le Monde, solidement reposait sur l'aile d'une fée. »
Ces deux citations sont extraites de « Gatsby le magnifique » de Francis Scott Fitzgerald. Pourquoi Gatsby pour commencer cet article sur le Festival du Cinéma Américain de Deauville, me direz-vous ! Sans doute parce que c’était le prénom du personnage principal du film d’ouverture de ce 45ème Festival du Cinéma Américain de Deauville, l’ensorcelant « Un jour de pluie à New York » et sans doute parce que ces citations font écho à une de celles du film en question : « C’est la vraie vie. Laisse-la à ceux qui ne trouvent pas mieux ».
Certainement aussi parce que les rêveries et les illusions sont indissociables du cinéma, et de la mélancolie de Gatsby et de Deauville. Le cinéma que nous a donné à voir ce Festival du Cinéma Américain de Deauville, aussi passionnant fut-il, nous a pourtant néanmoins ancrés dans la réalité même si le rêve et le glamour étaient incarnés par la présidente du jury, l’interprète des chefs-d’œuvre que sont « Les parapluies de Cherbourg », « Le Dernier Métro », « Le choix des armes », « Hôtel des Amériques », « Les Demoiselles de Rochefort », « Indochine », « Belle de jour », « Fort Saganne », « Drôle d'endroit pour une rencontre », « Un conte de noël »,« Elle s’en va », « Ma saison préférée, » « La tête haute », « La Sirène du Mississipi », « Je veux voir »… Avec elle, c’est une partie de la mythologie du cinéma qui était présente chaque jour dans la salle du CID. Les hommages (notamment à Geena Davis, Pierce Brosnan, Johnny Depp) étaient aussi des fenêtres ouvertes sur les rêves car l’occasion à chaque fois de la diffusion d’un montage des films dans lesquels ils jouèrent, réminiscences de tant d’émotions de cinéphiles.
La réalité donc. Celle des Etats-Unis de Trump. Celle d’une époque impatiente et carnassière aussi. Comme ce plan du retentissant « American skin » de Nate Parker l’illustrait si bien, ces quelques mots lapidaires au journal télévisé pour traduire et trahir la complexité d'un drame humain, la mort d’un jeune garçon noir suite à un contrôle de police. Mots auxquels succèdent les louanges sur les performances d'un sportif noir énoncées par un présentateur guilleret. « Cachez ces crimes racistes que je ne saurais voir » semble nous dire Nate Parker du moment que l'apparence et les clichés soient saufs. Je vais y revenir. Telle est l'Amérique de Trump reflétée par les films de cette édition. En proie à la paranoïa, la violence, éprise de liberté, de résistance. Des films militants. Des films qui brandissent le poing. Des films coups de poing. Des films qui mettent en scène des personnages enfermés, des femmes surtout, souvent prisonnières d’un carcan social ou familial, d’un drame, avides de vérité, d’émancipation, de liberté. Quand il s’agit d’hommes, ils sont aussi prisonniers d’atmosphères claustrophobiques, que ce soit d’un phare, d’un foyer, d’un milieu ou d’une amitié étouffante. Comme vous le verrez dans les extraits vidéos, les propos des cinéastes, acteurs et actrices étaient souvent salutairement engagés, voire militants à l'image des films projetés.
« De nombreux films de ce Deauville 2019 défient Trump » avait ainsi annoncé le directeur du festival, Bruno Barde, lors de la conférence de presse d’annonce de sélection du festival du 22 août. Le tableau de l’Amérique, vue à travers ces films, n’est pas glorieux entre résurgences d’idéologies nazies et populations abandonnées. Le portrait d’une Amérique qui broie les plus fragiles. « Il est important de reconnaître que nous avons à la Maison-Blanche quelqu'un de raciste et de sexiste, dont il faut essayer d'éviter qu'il soit réélu », a ainsi déclaré Carlo Mirabella-Davis le réalisateur de « Swallow » en recevant son prix.
L’année 2018, celle de l’après #MeToo, si la noirceur était aussi au rendez-vous dans les films présentés à Deauville, le pouvoir était déjà pris par les femmes. Deux titres des films de la compétition étaient ainsi des prénoms féminins (Nancy et Diane) et six d’entre eux avaient pour personnages principaux des protagonistes féminines. Des femmes souvent condamnées par l’existence, engluées ou même enfermées dans leur quotidien, leur passé, confrontées à la solitude, à la maladie, à la mort, aux traumatismes et même enfermées au sens propre et condamnées à mort dans le douloureux « Dead women walking ». Des femmes fortes et combattives qui s’emparaient néanmoins de leurs destins. Les films s’achevaient ainsi souvent par un nouveau départ (au sens propre). En route vers un lendemain peut-être plus joyeux. Une note d’espoir malgré tout. « Une Amérique où règne le désenchantement et la mélancolie, où l'espoir est tenace », comme l’avait très bien résumé la regrettée présidente du jury de la critique 2018, l’enthousiaste Danièle Heymann (à laquelle le festival a eu la louable idée de rendre hommage lors de l’ouverture de cette édition 2019). Le jury de la critique de l'édition 2018, lors de la cérémonie du palmarès, avait d’ailleurs également tenu à saluer « la quasi-parité de la compétition avec 6 films de femmes. » Ce fut a fortiori le cas cette année avec des films de femmes, des thématiques féminines, voire féministes, des portraits de femmes qui s’émancipent, prennent leurs destins en main, contre vents et marées et qui, là aussi, souvent, au dénouement prennent la route pour un nouveau départ.
Les titres des films nous en disaient déjà long : « Skin », « American Skin », « Knives and skin », « American woman », « Seberg », « Waiting for the Barbarians », « Tout peut changer, et si les femmes comptaient à Hollywood ». La barbarie. Les femmes. Et cette peau qui souvent condamne aux préjugés iniques ou à un destin tragique. Le festival dans sa programmation était ouvertement féministe. Même si aujourd’hui il semble y avoir une sorte de surenchère pour savoir qui s’autoproclamera le plus féministe (ou quel festival présentera le plus de film de femmes), ce festival avait le mérite, plus que dans le choix de ses invités, de nous donner à voir d’autres visages féminins, des personnages de femmes plus nuancés ou moins caricaturaux. Quatorze films « ambitieux et réussis » (selon la présidente du jury Catherine Deneuve) étaient ainsi en compétition, dont neuf premiers films et six réalisés par des femmes. Par ailleurs, dix mettaient en scène des héroïnes souvent broyées par l’existence ou par les hommes mais des héroïnes combattives, et trouvant seules le chemin de la liberté.
Cette année 2019, Bruno Barde avait d’emblée annoncé un festival féminin, non seulement dans les thématiques des films présentés mais aussi dans les deux jurys. Deux femmes les présidaient en effet, Catherine Deneuve et Anna Mouglalis. Catherine Deneuve succédait ainsi dans ce rôle à une autre actrice de grand talent, Sandrine Kiberlain. Le festival avait par ailleurs choisi cette année d’attribuer des prix spéciaux à quatre actrices : Kristen Stewart (venue présenter « Seberg », de Benedict Andrews), Geena Davis (venue quant à elle présenter le documentaire « This Changes Everything », de Tom Donahue), Sienna Miller (venue avec « American Woman », de Jake Scott, dans lequel elle incarne le rôle principal) et Sophie Turner (l’héroïne de « Game of Thrones » dont l’Intégrale était projetée à Deauville).
Cette édition 2019 était aussi nostalgique avec la soirée des 25 ans de la compétition et les formidables petits films de l’INA diffusés chaque soir, l’occasion d’entendre Kirk Douglas dire qu’il aimerait tourner avec Truffaut, Lelouch, Sautet ou encore d’entendre De Palma dire avec malice que personne n'est incorruptible et de se rappeler que toutes les stars du cinéma américain ou presque foulèrent un jour les planches de Deauville, en pleine gloire, ou à leurs débuts. L'INA, à l'occasion de cette soirée anniversaire, a également remis à Catherine Deneuve une distinction numérique (l'ensemble de sa carrière sur support numérique, distinction reçue auparavant notamment par De Niro ou Depardieu).
Cette année, Deauville célébrait ains les 25 ans de la compétition de films indépendants, une compétition qui a révélé tant de cinéastes et de films devenus cultes : Chloé Zhao (« The Rider », 2017) Spike Jonze («Dans la peau de John Malkovich», 1999), Jeff Nichols («Take Shelter», 2011) Damien Chazelle («Whiplash »), Joshua Marston (« Maria, pleine de grâce », 2004), Paul Haggis (« Collision », 2005), Benh Zeitlin (« Les bêtes du sud sauvage », 2012)…
Quelques films néanmoins nous parlaient de rêves, ceux qu’il faut se construire. Le générique de ce festival renouant avec le glamour d’antan, nous y invitait d’ailleurs : Kristen Stewart, Sienna Miller, Geena Davis, Sophie Turner, Pierce Brosnan, Catherine Deneuve, Anna Mouglalis, Johnny Depp sans oublier les anciens présidents de jurys présents pour l’anniversaire des 25 ans de la compétition.
Comme chaque année la compétition (mais aussi une partie des Premières) nous proposait d’ausculter l’Amérique contemporaine, ses meurtrissures et ses élans. S’il est soucieux de vérité, ce festival protéiforme n’oublie pas non plus le glamour de ses origines. Cette année plus que jamais, flamboyance et noirceur, glamour et actualité, engagement et festivités s’entrelaçaient.
LA COMPETITION ET LE PALMARES
Le jury présidé par Catherine Deneuve a attribué le Grand Prix à « Bull », le premier film de la réalisatrice Annie Silverstein (qui fut lauréate de la Cinéfondation, toujours un vivier de talents), un gros plan sur l’âpre réalité de l'Amérique de Donald Trump (déjà en lice à Cannes dans la section « Un Certain Regard »).
Ce premier film a d’ailleurs fait l’unanimité des trois jurys puisqu’il a également reçu le prix de la Révélation Louis Roederer et celui de la Critique. « Ce premier film « dresse un tableau extrêmement juste et troublant de l'Amérique de Donald Trump, cette Amérique abandonnée par ses politiques que ce soit dans l'école ou dans la santé », a ainsi ajouté Anna Mouglalis, la présidente du jury Révélation Louis Roederer. « C'est un film politique sans jamais être dogmatique », a-t-elle également précisé. Gérard Lefort, président du jury de la critique a évoqué « une histoire captivante, une actrice sidérante de maturité malgré son jeune âge, des situations dérangeantes et imprévisibles » spécifiant que ce film « invente un territoire tant par son cadrage, son montage, son scénario, sa façon d'entremêler le documentaire à la fiction ». « Bull », c’est l’histoire de la rédemption de Kris, une adolescente de 14 ans qui vit dans la banlieue pauvre de Houston et qui donne l'impression de suivre le chemin de sa mère, qui purge une peine de prison. Après avoir saccagé la maison de son voisin dans un acte purement gratuit, elle doit faire amende honorable, et prêter main-forte au propriétaire de la maison vandalisée qui est une ancienne gloire du rodéo. Elle se découvre alors une passion pour l'art de monter les taureaux à cru. Mais les mauvaises fréquentations ne sont jamais bien loin. La réalisatrice a choisi de montrer l’Amérique des laissés-pour-compte, celle des citoyens en colère mais qui n'ont parfois comme la jeune Kris que la violence ou la rébellion pour l'exprimer parce qu’on n’a pas même pris le temps de leur poser une main, consolatrice et apaisante sur leur front, comme le taciturne Abe le fait avec les taureaux. La rencontre de ces deux solitudes qui s’apprivoisent comme ils apprivoisent les taureaux, c’est celle de deux visages de l’Amérique, deux figures que l’Amérique a abandonnées. Bien sûr, « Bull » n’est pas sans rappeler « The Rider » de Chloé Zhao, vainqueur du Grand Prix à Deauville en 2017.
Là aussi l’animal en furie sur lequel il fallait tenir était une métaphore de cette vie chaotique, de ces âmes tourmentées qui devaient trouver leur équilibre malgré l’âpreté et les secousses de l’existence. Brady, un jeune cow-boy, entraîneur de chevaux et étoile montante du rodéo, voyait sa vie basculer après un tragique accident de rodéo. On lui annonçait alors qu’il ne pourrait plus jamais faire d’équitation. De retour chez lui, il était confronté au vide qu’était devenue sa vie : celle d’un cow-boy qui ne peut désormais ni faire de rodéo ni même monter à cheval. Pour reprendre son destin en mains, Brady se lançait alors dans une quête identitaire en cherchant à comprendre ce que c’est vraiment qu’être un homme au cœur même de l’Amérique. Brady Jandreau, qui jouait son propre rôle aux côtés de sa famille et de ses amis est vraiment une jeune star du rodéo qui a vu sa vie basculer suite à un accident et cette véracité renforçait bien sûr l’émotion qui émane de chacun des plans. Brady devait faire face à un avenir sans espoir, à un parent immature, et lui aussi incarne de nombreux contrastes à l’image de cette Amérique pétrie de contradictions. La violence de l’arène dans laquelle il évoluait contrastait avec la tendresse dont il faisait preuve avec sa jeune sœur handicapée ou son ami victime d’un accident de rodéo. Les immenses plaines évocatrices de liberté contrastaient avec la blessure et l’arène qui l’enfermaient. Et c’est en renonçant au rodéo que le cowboy devenait un homme. On retrouve ce même contraste dans « Bull ». Le jury qui avait attribué le grand prix à « The Rider » avait salué sa poésie et son humanité. Sans doute, pour ces raisons, avais-je préféré ce film à « Bull » qui n’en dresse pas moins un portrait édifiant et sensible de cette Amérique des oubliés à travers cette amitié improbable, porteuse d’espoir malgré l’âpreté du quotidien qui en a permis l’éclosion.
Le jury présidé par Catherine Deneuve a également décerné un Prix spécial du 45ème anniversaire du Festival à « Swallow » (qui signifie « avale »), de Carlo Mirabella-Davis. Le film raconte l’histoire d’Hunter qui mène une vie parfaite (en apparence, seulement en apparence) aux côtés de son mari qui vient de reprendre l’entreprise familiale. Mais dès lors qu’elle tombe enceinte, elle développe un trouble compulsif du comportement alimentaire, le Pica, caractérisé par l’ingestion d’objets dangereux. Son époux et sa belle-famille décident alors de contrôler ses moindres faits et gestes pour éviter le pire : qu’elle ne porte atteinte à la lignée des Conrad… Mais cette inquiétante et incontrôlable obsession ne cacherait-elle pas un secret plus terrible encore ?
« Swallow », c’est le portrait d’une femme enfermée dans ses douleurs enfouies, dans son carcan social, dans son mariage illusoirement parfait et sa maison même, sorte de prison de verre aseptisée tout autour de laquelle la nature semble l'épier, comme un musée dont elle serait une pièce, condamnée à n'être qu'un objet que l'on admire mais à qui on refuse le droit de penser. La mise en scène épouse judicieusement les états d'âme de cette femme qui peu à peu s'émancipe et se découvre. Pour garder le contrôle sur cette vie qu'elle ne maîtrise pas et qui l'étouffe, elle va s'enfermer dans des troubles compulsifs alimentaires qui lui procurent la trompeuse sensation de maitriser son existence. Un moyen de se réapproprier son corps aussi, ce à quoi la réduit son mari, lui niant toute capacité à penser. « Je vois vraiment ce film comme un film féministe. Le film a été inspiré de la vie de ma grand-mère qui a vécu dans les années 50, alors femme au foyer. Pour essayer de s'accrocher, elle avait des rituels comme se laver les mains de manière compulsive. Elle a été internée et a perdu le sens du goût et de l'odorat. Elle a été punie car elle ne rentrait pas dans le carcan des femmes au foyer dans les années 50 », a ainsi déclaré le réalisateur en conférence de presse. Il s'est également dit « fasciné par Malick et la manière dont il nous introduit dans l'esprit des personnages par le paysage ». « J'aime beaucoup ses films et je les ai tous vus de nombreuses fois. Son travail sur la nature est fascinant. J'ai essayé d'approcher cela dans le film notamment par la relation presque mystique entre Hunter et les objets » a-t-il ajouté. En tentant d'organiser son monde chaotique, d'enfouir en elle ces objets comme son traumatisme l'est, le monde d’Hunter va peu à peu s'ébranler et le visage de chacun se révéler. Son monde parfait va se fissurer. Les couleurs chatoyantes de ses tenues vont se ternir pour se fondre dans le décor et elle va presque être absorbée par celui-ci. Le monde réel, la vie même, vont peu à peu reprendre leurs droits. Le cinéaste peut revendiquer sans rougir ses références citées en conférence de presse : Chantal Akerman, Todd Haynes, Douglas Sirk et Alfred Hitchcock pour ce film passionnant du premier du dernier plan, brillamment pensé, mis en scène et interprété (par une actrice magnétique, Haley Bennett). Un beau portrait de femme qui s'émancipe. Intemporel et universel.
Le Prix du public de la Ville de Deauville a été attribué à « The Peanut Butter Falcon » de Tyler Nilson et Michael Schwartz. Ce premier film raconte l'histoire de Zak, un jeune homme de 22 ans atteint de trisomie qui s’enfuit de son foyer de personnes âgées pour réaliser enfin son rêve : rejoindre l’école de catch de Salt-Walter Redneck, une vieille gloire de ce sport, et devenir catcheur professionnel répondant au nom du « faucon au beurre de cacahuète ». Il rencontre Tyler, un petit voyou en cavale, qui va devenir son improbable coach et compagnon de route. Ils vont remonter ensemble les rivières, échapper à leurs poursuivants. Ils vont aussi convaincre Eleanor, une aide-soignante dévouée trimballant ses propres démons, de les accompagner en chemin. Ce film jubilatoire, à la fois tendre et drôle, est d’abord remarquable par sa distribution : Shia LaBeouf, Dakota Johnson, John Hawkes, Thomas Haden Church, Bruce Dern. « Nous avons écrit ce film pour un ami trisomique, qui rêvait de jouer dans un long métrage », a ainsi expliqué le coréalisateur Michael Schwartz. Tyler, dont on découvre par bribes qu’il a tragiquement perdu son frère, trouve en Zack un frère de substitution et avec lui va renouer avec les plaisirs simples auxquels cette épopée en pleine nature les confronte. Une ode à l’amitié, la fraternité, la nature, comme pansements sur les âmes blessées. Un prix du public mérité pour ce film rempli de bons sentiments (au sens noble) et de bienveillance.
Également au palmarès, couronné du prix du jury, une autre histoire d’hommes, beaucoup plus conflictuelle celle-ci, celle de « The Lighthouse » de Robert Eggers, « l’histoire hypnotique et hallucinatoire de deux gardiens de phare sur une île mystérieuse et reculée de la Nouvelle-Angleterre dans les années 1890 » nous dit ainsi le synopsis officiel. Là aussi, il s’agit d’un monde oppressant et âpre dont on ne peut s’échapper. Oppressante, l’expérience l’est aussi pour le spectateur qui a l’impression de sombrer peu à peu dans la folie avec les protagonistes de ce huis-clos incarnés par Willem Dafoe (en vieux marin irascible) et Robert Pattinson (son nouveau collègue qui semble dissimulé un lourd secret), isolés sur ce phare et dans ce format carré qui nous enserre et enterre avec eux dans cet enfer maritime. C’est sans doute la performance des deux acteurs et la forme qui ont séduit le jury, quoique le terme de séduction convienne mal à ce film qui ne cherche justement jamais à séduire mais plutôt à nous confronter, à heurter. Entre « les Oiseaux » d’Hitchcock et « Nosferatu » de Murnau, le réalisateur rend un hommage appuyé au cinéma muet, au noir et blanc et à l’expressionisme jouant constamment avec les ombres et la lumière, les plongées et contre plongées et les gros plans très expressifs. Un voyage effroyable aux confins de la folie, aux frontières des légendes et des mythes, après lequel on retrouve la sérénité et la lueur du jour avec soulagement.
Dans « The Climb » de Michael Angelo Covino, l’autre prix du jury, il s’agit aussi de l’histoire de deux hommes. Cette fois, ce n’est pas un phare mais une amitié qui les enferme dans une relation singulière. Là aussi, l’originalité de la forme n’est certainement pas pour rien dans le prix obtenu par ce film. Dans ce premier film, Kyle et Mike sont deux meilleurs amis aux tempéraments très différents, cependant leur amitié a toujours résisté aux épreuves de la vie. Jusqu’au jour où Mike avoue à Kyle avoir eu une relation avec la femme que ce dernier s’apprête à épouser. « Presque un film de Claude Sautet » avait dit Bruno Barde en conférence de presse pour qualifier ce film, sans doute en référence à l’amitié au cœur de chefs-d’œuvre du cinéaste français comme « Vincent, François, Paul et les autres », néanmoins ici il s’agit d’une amitié plus toxique, de personnages plus pathétiques, une tragi-comédie cruelle sur deux amis qui ne se séparent jamais réellement. Les deux acteurs qui les incarnent ont coscénarisé le film dont le réalisateur Michael Angelo Covino. Le début de la première séquence qui nous laisse voir deux cyclistes deviser au loin en plein effort sur les routes escarpées françaises donne le ton. Après quelques boutades, l’un des deux avoue à l’autre avoir eu une relation avec sa future épouse (incarnée par Judith Godrèche). Le récit est divisé en 8 chapitres et autant de plans-séquence (d’où la prouesse technique) que séparent de judicieuses ellipses qui permettent de suivre la relation entre Kyle et Mike sur une quinzaine d’années. « The Climb» avait déjà été récompensé du prix de la mise en scène de la section Un Certain Regard à Cannes.
Ce film n’est pas sans rappeler le Grand prix de l’édition 2018, « Thunder road » de Jim Cummings qui était aussi l’œuvre d’un réalisateur auteur (avec fantaisie et énergie débordantes) qui incarnait le rôle principal, un personnage englué dans une quotidienneté étouffante. Tout commençait d’ailleurs là aussi par un sidérant plan-séquence de plus de dix minutes qui était au départ le sujet d’un court-métrage de Jim Cummings qui lui valut une récompense à Sundance en 2016. La caméra passe fugacement sur l’assemblée d’un enterrement avant de s’attarder sur le fils de la défunte vêtu de son uniforme de policier. Il commence alors un long monologue tandis qu’un lent travelling avant nous rapproche doucement comme pour mieux débusquer les fêlures de plus en plus apparentes au fur et à mesure que le discours fantasque se déroule. Et comme tout le reste du film, autant dans son montage que dans les réactions de son personnage, « Thunder road » nous embarque toujours là où on ne l’attend pas. Tenter de danser devant un cercueil, quelle belle et déchirante métaphore de l'existence, non ? Cette digression pour vous recommander à nouveau ce bouleversant et fantasque portrait d’un homme désorienté et, au-delà, d’une Amérique déboussolée de laquelle une évasion semble possible, ou en tout cas un lendemain plus joyeux comme nous le dit cette ultime scène et ce regard final dans lequel passe une multitude d’émotions.
Je regrette l’absence au palmarès de ce Festival de Deauville 2019 de « The wolf hour » d’Alistair Banks Griffin.New York. Juillet 1977. Naomi Watts incarne June Leigh, une ancienne romancière à succès en panne d’inspiration, retranchée dans son appartement du Bronx. Alors qu’un tueur en séries sévit dans la ville et que de violentes émeutes et des pillages plongent la ville dans le chaos, June est harcelée par un mystérieux individu. A nouveau il est question d’enfermement, d’une femme prisonnière, cette fois de ses propres démons. A l’inverse de « Swallow » ce n’est pas sa famille mais elle-même qui l’enferme. Dans les deux cas pourtant un drame est à l’origine de cette pathologie, ici la paranoïa. Là où l’une « avalera » (des objets, ses émotions), l’autre devra au contraire retrouver le désir pour « recracher » ses émotions. Le film s’ouvre sur le regard de June et l’enferme comme elle le sera dans cet environnement, son appartement dans nous ne sortirons qu’à la fin, ne voyant le monde extérieur que par sa fenêtre ou par le truchement d’informations anxiogènes, cet extérieur qui ne semble représenter que menaces comme cette sonnerie intempestive de l’interphone. L’angoisse ne cessera de croître après ses rencontres avec un policier inquiétant et immoral, un jeune livreur dont on ne sait s’il représente une aide ou une menace, une amie réprobatrice… mais de l’une de ces rencontres naitra aussi le désir de reprendre le pouvoir sur son existence et sur ses mots (et ses maux). La menace est-elle existante ou le fruit du cerveau perturbé de June, menace qui semble exacerbée par cette chaleur suintante qui plonge même la ville dans le noir ? Peu importe, « The wolf hour », grâce au jeu habité de Naomi Watts est palpitant de la première à la dernière seconde et est une habile réflexion sur le processus, douloureux et libératoire, de création.
« Skin » de Guy Nattiv était annoncé comme le film choc de cette compétition. C’est encore d’une autre forme d’enfermement que doit se sortir le protagoniste dont le corps porte les marques. Les marques d’un passé ultraviolent. « Skin » relate l’histoire vraie d’un jeune homme désorienté, élevé par un groupe de skinheads suprémacistes blancs, qui décide de renoncer à toute haine et violence pour une nouvelle vie. Bien que soutenu par un activiste noir et la femme qu’il aime, trahir ceux qui lui ont tout donné, y compris la colère, le mènera dans une situation inextricable. Guy Nattiv avait reçu l’Oscar du court métrage pour un film s’intitulant déjà « Skin », sur un sujet similaire. Dans la peau du skinhead repenti, Jamie Bell, dans un rôle aux antipodes de Billy Eliott qui le fit connaître. Le film est dédié à la mémoire du grand-père du réalisateur, survivant des camps de concentration. Ou quand les barbaries d’hier résonnent tristement avec celles d’aujourd’hui, avec la résurgence des groupes suprémacistes blancs et de groupuscules nazis. Dès les premiers plans, nous est montrée la douleur que suscite l’effacement des tatouages sur son corps, douleur à laquelle fait écho la douleur infligée aux populations que les skinheads persécutent. Il faut effacer ce passé. A tout prix. Le film décortique en parallèle les mécanismes de la déshumanisation, puis de sa rédemption et de son retour à un visage humain (et à une humanité). Embrigadé dès son plus jeune âge dans un camp dirigé par un couple qui ne répond qu’aux noms de « Ma » et « Pa » il n’a eu d’autre perspective que cette violence dévastatrice, à l’image de l’adolescent isolé Gavin (Russell Posner), qui revit les mêmes étapes de ce terrible embrigadement quasiment sectaire. C’est par l’amour et en fondant sa propre famille qu’il trouvera la voie de la rédemption. Malgré la force du propos et de cette plongée presque documentaire au milieu des suprémacistes, dommage que cette rédemption nous apparaisse presque artificielle et trop soudaine, sans réelle explication (si ce n’est la rencontre amoureuse), un comble pour une histoire vraie dont le cinéaste s’est peut-être senti prisonnier, de crainte de la trahir.
LES PREMIERES
C’est par l’hommage à Pierce Brosnan et par la nouvelle pépite de Woody Allen, « Un jour de pluie à New York » qu’avait débuté ce 45ème Festival du Cinéma Américain de Deauville.
En 2016 avec, « Café Society » (également diffusé cette année à Deauville dans le cadre de l’hommage à Kristen Stewart), Woody Allen nous avait emmenés dans les années 30, et nous avait laissés à la joie factice du réveillon dans ce fameux café. Le film éponyme, empreint d’une féroce nostalgie, était ainsi une chronique acide sur Hollywood, son vain orgueil et sa superficialité, et un nouvel hommage à la beauté incendiaire de New York mais c’était aussi un hymne aux amours impossibles qui auréolent l’existence d’une lumineuse mélancolie. Ensuite avec « Wonder wheel » il nous avait transportés deux décennies plus tard dans un lieu d’évasion qui s’apparente aussi à une prison, Coney Island, parc d’attraction, péninsule située à l'extrême sud de Brooklyn au centre de laquelle trône une grande roue qui tourne irrémédiablement sur elle-même, métaphore des destinées des personnages de « Wonder Wheel » et surtout de celle de Ginny (Kate Winslet). Comme avec, Cate Banchett dans « Blue Jasmine », la réussite de ce film devait beaucoup à l’écriture de ce personnage féminin et à sa remarquable interprétation. Cate Blanchett était parvenue à nous faire aimer son personnage horripilant, snob, condescendant, inquiétant même parfois mais surtout très seul, perdu, et finalement touchant, comme l’est Ginny. Jasmine maquillait ses failles derrière un culte de l’apparence, Ginny par un culte du passé. Dans « Un jour de pluie à New York » c’est Elle Fanning qui crève l’écran dans ce nouveau film de Woody Allen dont la sortie américaine n’a pourtant jamais eu lieu. Mars Films a en revanche choisi de sortir ce film qu’il aurait été dommage de ne pas découvrir. C’est l’histoire de deux étudiants, Gatsby et Ashleigh, qui envisagent de passer un week-end en amoureux à New York. Pas le New York de Coney island, non, plutôt le New York idyllique et mythique de « Manhattan ». Mais le projet tourne court, aussi vite que la pluie succède au beau temps. Bientôt séparés, les deux tourtereaux enchainent chacun de leur côté les rencontres fortuites et situations insolites. Comme d’habitude, ce nouveau Woody Allen débute par une brillante scène d’exposition qui nous présente les protagonistes : l’étudiant décalé, surdoué, romantique Gatsby Welles le bien nommé (Timothée Chalamet) – Gatsby pour le romantisme et la mélancolie, Welles peut-être pour le pouvoir de création - , sorte de double de Woody Allen, et sa petite amie, Ashleigh Enright (Elle Fanning), étudiante naïve, apprentie journaliste en cinéma, qui va interviewer le grand cinéaste Roland Pollard (Liev Schreiber) pour son journal universitaire sauf que ce dépressif va s’échapper et conduire Ashley à travers New York tandis que Gatsby l’attend pour leur virée romantique et déambule dans New York où il fera une rencontre qui modifiera le cours de son destin, celle de Chan (Selena Gomez). « Un jour de pluie à New York ». Un titre à la Claude Sautet, qui affectionnait tant les scènes de pluie pour rapprocher les êtres. Une promenade romantique à New York, pleine de charme, avec des personnages « pittoresques » comme toujours remarquablement brossés. Oui, « Laissons la réalité à ceux qui n'ont rien d'autre ». Alors osons rêver nos vies comme nous y invite cette escapade mélancolique dans New York, teintée d'humour cinglant et de dialogues ciselés. Une promenade à l’image des personnages, pleine de charme (décidément, mais le charme est vraiment ce qui définit ce film qui vous envoûte et enlace progressivement de son voile de mélancolie), riche de scènes marquantes comme celle lors de laquelle la mère de Gatsby (Cherry Jones) part dans un monologue inattendu qui est un film en soi, dévoilant un autre visage de cette mère possessive, ou comme lorsque Gatsby se met au piano. Soudain, la magie opère. Un film empreint de nostalgie, étonnamment jeune aussi, qui nous donne envie de déambuler sous la pluie, d’observer la beauté captivante de la ville, de croire aux rencontres impromptues, bref à la magie du cinéma. Une fable savoureuse qui nous donne envie de croire à ce qui arrive « dans les films, pas dans la vraie vie ».
Autre invitation au rêve avec « Music of my life » de Gurinder Chadha à qui l’on doit notamment le réjouissant « Joue-la comme Beckham ». 1987. Angleterre. Javed, adolescent d’origine pakistanaise, grandit à Luton, une petite ville qui n’échappe pas à un difficile climat social. Il se réfugie dans l’écriture pour échapper au racisme et au destin que son père, très conservateur, imagine pour lui. Mais sa vie va être bouleversée le jour où l’un de ses camarades lui fait découvrir l’univers de Bruce Springsteen. Il est frappé par les paroles des chansons qui décrivent exactement ce qu’il ressent. Javed va alors apprendre à comprendre sa famille et trouver sa propre voie. Un film porté par la musique du « Boss » et dont le sujet tourne en plus autour de celle-ci pouvait difficilement être mauvais. A l’image de ses musiques, la légèreté n’est qu’apparente et on évoque ici aussi bien le décalage culturel, la résistance et l’intégration qui donnent lieu à des situations savoureuses. Le film est d’abord et avant tout un hymne à la création. Javed écrit. Mais c’est cette rencontre avec l’œuvre de Springsteen qui va le porter et l’aider dans l’Angleterre nationaliste et raciste de Thatcher, gangrénée par le chômage. A la fois feel good movie et chronique sociale, cette adaptation du roman autobiographique « Greetings from Bury Park : Race, Religion and Rock’n’Roll » du journaliste britannique Sarfraz Manzoor raconte comment ce jeune homme d’origine pakistanaise mal dans sa peau va s’émanciper grâce à la musique et l’écriture. Il veut en effet devenir écrivain mais sa « famille est coincée dans une autre époque ». Cela va lui permettre de « bâtir un pont » vers ses « ambitions » parce que ce que raconte le Boss de sa vie dans le New Jersey fait écho à la vie de ce jeune homme d’origine pakistanaise dans une ville anglaise, Bruce est pour lui « le lien direct vers la vérité ». Les paroles, universelles, dépassent les frontières, et vont l’aider à affronter son père. Vous quitterez le film avec en tête les musiques de Bruce Springsteen, l’envie de chanter (certaines chansons sont joliment mises en scène sous forme de comédie musicale) et cette phrase : « Ecris un rêve Fais en sorte qu’il se réalise ». Tout un programme. Une bulle d’optimisme non dénuée de fond, voilà qui fait beaucoup de bien.
Parmi les premières marquantes de cette 45ème édition il y eut indéniablement « Waiting for the barbarians » de Ciro Guerra, une première précédée de l'hommage à Johnny Depp, l’occasion de revoir des extraits de films inoubliables : « Edward aux mains d’argent », « Arizona dream », « Gilbert grape », « Dead man », « Las Vegas parano », « Sleepy hollow » … « Waiting for the barbarians » pourrait s’ajouter à cette liste. Une fois de plus, Johnny Depp est là où on ne l’attend pas, dans un rôle antipathique au possible. Dans un désert sans nom à une époque incertaine, un magistrat (Mark Rylance) gère un fort qui marque la frontière de l’Empire. Le pouvoir central s’inquiète d’une invasion barbare et dépêche sur les lieux le colonel Joll (Johnny Depp), un tortionnaire de la pire espèce (qui nomme sa méthode « patience »). Parmi les hommes et les femmes ramenés au fort et torturés, une jeune fille blessée attire l’attention du magistrat qui finit par contester les méthodes employées par le colonel et prendre fait et causes pour les soi-disant barbares. « Waiting for the barbarians » est une passionnante réflexion sur les mécanismes de l'abus de pouvoir, l'oppression, une métaphore à petite échelle des totalitarismes qui traversent les lieux et les époques, qu'ils soient dans le cadre d'une entreprise (ou même d'un cercle plus restreint social ou familial) ou étatiques. Évidemment il était judicieux pour incarner « le mal » de choisir un acteur plutôt habitué à des rôles de héros pour montrer que la monstruosité peut avoir tous les visages, que le masque arboré n'est pas forcément celui du Rhinocéros comme dans la pièce éponyme de Ionesco. La monstruosité n’en est pas moins là. Adaptée du roman éponyme de l’écrivain sud-africain J. M. Coetzee, lauréat du prix Nobel de littérature en 2003, cette fable terrifiante à l'image de la pièce de Ionesco précitée est un vibrant plaidoyer pour la résistance. Pour s’agrandir, l’Empire paranoïaque (voilà qui rappelle les thématiques de films précédemment évoqués) va vouloir soumettre les peuples nomades considérés comme barbares et va aussi transformer les foules en masses grégaires et haineuses. Ce fort qui pourrait faire songer à ceux du Far west avec certains plans (notamment d’embrasures de portes) à la John Ford et l’intemporalité de l’histoire la rendent d’autant plus universelle, forte et terrifiante.
Johnny Depp a ainsi évoqué son personnage qui, à l'image de son interprète tout au long de la conférence de presse, porte en permanence des lunettes, manière sans doute de se préserver des regards inquisiteurs. et de garder « la communication profonde » pour ceux à qui il souhaite lui aussi montrer son vrai visage ». « La vraie communication, la communication profonde se fait à travers les yeux. Il a construit des murs vraiment très forts. Il est juste une armure, stratégie. Il ne sera jamais rien d'autre que ce qu'il est. Cela vient d'une enfance cassée. Il se sert de sa colère pour faire mal aux autres », a ainsi déclaré Johnny Depp à propos de son personnage. Notons la délicatesse de Mark Rylance qui a pris soin de poser des questions aux deux producteurs du film pendant la conférence de presse à défaut de questions posées à ces derniers par les journalistes. Qui mieux que cet acteur élégant pouvait incarner ce magistrat qui s'élève contre la barbarie ? Cette barbarie aux mille visages et qui prend parfois celui fallacieux de la bonté.
Mark Rylance a ainsi expliqué à propos de son personnage et la réaction de rejet que lui témoigne la jeune femme à qui il vient pourtant en aide : « nous victimisons les femmes chacun à notre manière. » Dans l’absence de manichéisme de ce personnage (au contraire de celui de Depp qui est l’archétype du « méchant », archétype qui n’est pas ici un défaut mais une nécessité pour appuyer le propos) réside tout l’intérêt de ce film marquant d’une force et d’une originalité incontestables.
La plus longue standing ovation à Deauville cette année fut néanmoins celle à l’issue de la projection d’ « American skin » de Nate Parker. Produit par Spike Lee, ce film est de ceux de ce festival annoncés comme « défiant Trump » ou en tout cas l'Amérique de Trump, une Amérique enfermée dans des préjugés par définition étriqués, dans la peur et ses conséquences, l'oppression de l'autre. Lincoln est un ancien combattant de la Marine. Aujourd'hui, il travaille comme concierge au sein d'une école et tente d’améliorer ses relations avec son fils. Un jour, lors d'un contrôle de police de routine, le jeune garçon est tué. Cependant, l'officier coupable d'avoir tiré sur lui est déclaré innocent. Lincoln (incarné par Nate Parker lui-même) choisit alors de faire justice lui-même. L'enfermement, l'aspiration à la liberté, à pouvoir être soi-même sans entraves était décidément le thème récurrent de cette édition. Là encore en effet il est question d’enfermement. D’enfermement dans une société de préjugés qui conduit à ce que certains hommes se sentent moins libres que d’autres. D’enfermement pour faire surgir la vérité. Paradoxalement, les multiples moyens de communication (sous leurs nombreuses formes) et de filmer et donc supposément de s'ouvrir à l'autre sont aussi omniprésents et servent aussi le style faux documentaire du film mais également à montrer que dans nos sociétés ultra connectées tout est filmé constamment sans pour autant permettre de faire éclater la vérité ou de s'ouvrir l'autre et de communiquer posément. Vérité glaçante. Cela permet bien sûr aussi d'impliquer le spectateur, de susciter son empathie. Le film fait d’ailleurs l’éloge du documentaire comme moyen d’éveil des consciences, limité d’ailleurs puisqu’il est ici au service de la vérité mais peut tout aussi bien la trahir et non la traduire. Prenant de la première seconde (début sur le vif lors d'un contrôle de police tragique) au dénouement (qui rappelle cette première scène comme si tout cela n'était qu'un cycle infernal, condamnant tout espoir d'un lendemain meilleur où chacun s'écouterait et se libérerait de la peur dictée par les préjugés), ce faux documentaire fourmille d'idées brillantes. Comme de s'inspirer de « 12 hommes en colère », le face à face auquel ce « procès » improvisé donne lieu n’est d’ailleurs pas sans rappeler certaines scènes des « Misérables » (Prix d’Ornano-Valenti de cette édition dont je vous parle plus bas) en ce que l’un et l’autre de ces deux films montrent que la violence, dictée par la peur, exacerbe les tensions. Comme encore ces quelques mots lapidaires au journal télévisé pour traduire et trahir la complexité d'un drame humain. Mots auxquels succèdent les louanges sur les performances d'un sportif noir énoncées par un présentateur guilleret. « Cachez ces crimes racistes que je ne saurais voir », semble nous dire Nate Parker du moment que l'apparence et les clichés soient saufs. Telle est l'Amérique de Trump. Résultat : un film poignant, bouleversant, un coup de poing et un coup au cœur. Un plaidoyer aussi convaincant que nécessaire qui a bouleversé les festivaliers.
Parmi les évènements de cette édition, il y eut également l’hommage à Geena Davis venue présenter « Tout peut changer, et si les femmes comptaient à Hollywood » de Tom Donahue. Tout peut changer est un documentaire qui révèle ce qui se cache derrière l'une des aberrations de l'industrie du cinéma américain : la sous-représentation des femmes à Hollywood. Le réalisateur Tom Donahue met en avant des décennies de discrimination à l'égard des femmes derrière et devant la caméra, grâce notamment à une méthode inédite d’étude des données chiffrées, avec, à l’appui, des centaines de témoignages accablants. Plus important encore, le film cherche et propose des solutions qui vont au-delà de l'industrie du cinéma et bien au-delà des frontières américaines, à travers les témoignages de nombreuses voix d'Hollywood, dont Meryl Streep, Cate Blanchett, Natalie Portman, Reese Witherspoon, Jessica Chastain, Chloë Grace Moretz ou encore, Geena Davis, également productrice exécutive du film ; pour mettre en exergue ce qui peut et doit changer. Dommage que le message soit noyé parmi une floppée de chiffres et d’énonciations didactiques, une manière d’infantiliser le spectateur (en surlignant bien certaines données au cas où il n’aurait pas compris), un ton vindicatif voire guerrier en totale contradiction avec le propos, et une dispersion des sujets qui méritaient pourtant d’être traités. Il était cependant intéressant de voir le rôle majeur occupé par les femmes au temps du muet et comment celles-ci ont peu à peu été évincées de l’industrie cinématographique ou encore comment ces dernières sont enfermées (encore l’enfermement) dans des personnages stéréotypés. L’intention était donc louable même si le résultat n’est pas à la hauteur de l’enjeu. Geena Davis, qui a fondé un institut d'études sur la représentation des femmes à l'écran, l'Institute of gender in media, démontre que la discrimination est toujours d’actualité pour les femmes, qu’elles se trouvent devant ou derrière la caméra, que ce soit dans la manière dont elles sont représentées sur l’écran ou traitées sur les tournages. Ainsi, « En Amérique, seuls 4% des films produits sont réalisés par des femmes » alors que ce « chiffre est de 24% en France. »
Finalement plus parlant, militant, efficace était le film « American Woman » de Jake Scott, projeté après la remise du Deauville Talent Award à Sienna Miller, sans aucun doute le rôle de sa carrière, « le plus beau rôle de ma carrière » a-t-elle d’ailleurs elle-même déclaré, suite logique de judicieux choix pour celle qui a notamment tourné pour Clint Eastwood dans « American sniper », James Gray dans « The lost city of Z » ou encore Bennett Miller dans « Foxcatcher ». Un rôle beaucoup plus nuancé que ce qu’il paraît être dans les premières minutes du film où elle incarne une sorte de caricature de bimbo frivole, mère aimante d’une fille mère, laquelle adolescente disparaît mystérieusement. Le tout dans une ville rurale de Pennsylvanie. Deb Callahan (Sienna Miller donc), est ainsi une mère de 31 ans qui travaille comme caissière dans un supermarché. Elle se retrouve alors seule à élever son petit-fils encore bébé. Elle va devoir affronter ses errements passés pour se construire une nouvelle vie d'adulte. Mais sa quête est remise en question le jour où la vérité sur la disparition de sa fille éclate. Philippe Augier, le maire de Deauville, a ainsi rendu l’hommage à l’actrice : « Les femmes sont beaucoup représentées dans le cinéma, particulièrement à Deauville cette année, et c’est notre volonté d’affirmer leur émancipation de tous les carcans qui leurs sont imposés, souvent par erreur, par méconnaissance, par incompréhension de la beauté du genre qu’elles incarnent. » « American Woman » est un film remarquable en ce qu’il déjoue et démonte les clichés qu’il semble de prime abord mettre en scène. Il évite aussi tous les écueils. Plutôt que de dresser un portrait larmoyant d’une mère éplorée qui a perdu sa fille ou de s’axer sur l’enquête, il se concentre sur la reconstruction de cette femme qui passe par son émancipation. Au fur et à mesure que son visage se démaquille, elle devient elle-même, prend peu à peu son destin en main. Le film n’a rien du thriller contrairement à ce que pourraient laisser entendre son pitch et son affiche. Ou alors un thriller de l’intime, une enquête sur la profondeur d’un être en apparence superficiel. Cette disparition est finalement le prétexte à dresser le portrait de cette femme dans la tourmente. « La parole s’est libérée et s’il y a un problème, on peut le signaler en moins de cinq minutes. Aujourd’hui, je n’accepterais pas certaines choses que j’ai pu accepter par le passé, et je me félicite de l’égalité salariale entre les hommes et les femmes », a ainsi déclaré Sienna Miller en conférence de presse.
Autre femme forte et de conviction, Jean Seberg incarnée par une autre femme forte et de conviction Kristen Stewart dans le film éponyme de Benedict Andrews qu’elle est venue présenter à l’occasion de l’hommage que lui a rendu le Festival de Deauville qui lui a décerné un Deauville Talent Award. Ce film qui oscille entre thriller, film politique et histoire d’amour est surtout là aussi un magnifique portrait de femme auquel Kristen Stewart apporte à la fois force, fragilité, et une palette d’expressions et d’émotions d’une rare diversité. Ce film, qui n’est pas un biopic mais inspiré de faits réels, relate une période de la vie de l’actrice emblématique de la Nouvelle Vague et d’« A bout de souffle », épouse de Romain Gary (Yvan Attal) et éclaire certaines ombres de sa vie (et mort). L’actrice américaine vit à Paris et se rend à Los Angeles pour un tournage. Dans l’avion, elle rencontre Hakim Jamal, activiste américain défenseur de la cause noire (ou plutôt ce dernier semble s’être arrangé pour qu’ils s’y rencontrent). Ils vont commencer une relation secrète tandis que Jean soutient publiquement la cause de Jamal. Seberg devient alors un des sujets de la surveillance du FBI qui surveillait déjà les agissements de Jamal et de son entourage. Cette surveillance va peu à peu se transformer en véritable harcèlement et détruire la jeune femme. Tout aussi intéressant est le personnage d’un jeune membre du FBI qui commence à douter de ses méthodes. Le film commence par la scène du bûcher de « Sainte Jeanne » d’Otto Preminger au cours de laquelle l’actrice fut blessée. Comme une marque indélébile présageant les souffrances morales à venir. Jean Seberg va peu à peu sombrer dans la paranoïa. Kristen Stewart prouve une nouvelle fois qu’elle peut tout jouer après notamment « Sils Maria » d’Olivier Assayas (c’est d’ailleurs ce dernier qui lui a rendu hommage avant de recevoir le lendemain le prix du 45ème festival pour "Cuban network", j’en profite pour vous recommander vivement ce film dans lequel Kristen Stewart est d’une justesse remarquable, un film sur l'étanchéité des frontières entre l'art et la vie, et l'implacable violence du temps qui passe) et « Café Society » de Woody Allen (elle est éblouissante dans ce film dans lequel en un instant son regard s’évade et se voile de tristesse), deux films dans lesquels elle incarnait des rôles très différents et dans lesquels elle excellait déjà. Avec ce rôle, elle donne une nouvelle fois raison à Olivier Assayas qui lui a rendu hommage par ces mots : « Kristen est une artiste qui possède ce don rare d’être à la fois hors du temps et d’incarner son époque au meilleur sens de ce terme. Son âme est dans ses films et elle donne aussi une âme à tout ce qu’elle approche. Si je suis si heureux de lui donner ce prix ce soir c’est parce que Kristen incarne spontanément, avec sincérité et pureté, ce que le cinéma peut susciter de meilleur, donnant chair à l’idée même d’indépendance et de liberté. Et que je lui suis infiniment reconnaissant de porter avec autant de courage ces valeurs, à la fois si fragiles et si précieuses, et de le faire non seulement pour elle mais pour chacun et pour chacune. » Le film « Seberg », passionnant et bouleversant est basé sur « des faits, et des documents du FBI ». Le destin tragique d’une actrice si lumineuse comme l’histoire du cinéma en connut tant. Et s’il se concentre sur la période de 1968 à 1971, difficile de ne pas établir de lien avec la résurgence du racisme aux Etats-Unis.
Enfin, j’ai délibérément choisi de terminer ce bilan du festival par deux films qui, chacun à leur manière, défendent des messages forts, l’un pour dresser le portrait d’un héros, l’autre pour nous raconter l’histoire de Misérables du 21ème siècle, empruntant pour cela à Victor Hugo certaines de ses figures emblématiques du chef-d’œuvre éponyme.
Il s’agit d’abord d’« Une vie cachée » de Terrence Malick, présenté en mai dernier en compétition dans le cadre du Festival de Cannes (8 ans après sa palme d’or pour « The tree of life ») et en Première à Deauville. Dans ce film inspiré de faits réels, Franz Jägerstätter, paysan autrichien, refuse de se battre aux côtés des nazis. Reconnu coupable de trahison par le régime hitlérien, il est passible de la peine capitale. Mais porté par sa foi inébranlable et son amour pour sa femme, Fani, et ses enfants, Franz reste un homme libre. Une vie cachée raconte l'histoire de ce héros qui vit dans le Tyrol autrichien, au milieu d’une nature que la caméra de Malick effleure et caresse délicatement, amoureusement, une nature idyllique où vivent Franz et sa famille. C’est le parcours christique de cet homme follement courageux que nous raconte Malick, filmant ce parcours avec le lyrisme qui le caractérise par d’amples travellings et des contre-plongées inspirées. C’est fascinant, beau et envoûtant, comme un poème tragique, comme un éloge funèbre. Son lyrisme grandiloquent rend le plus vibrant et flamboyant des hommages à ce fiévreux résistant. Enfiévré de son amour pour sa femme, porté par leurs souvenirs communs. De sa foi. De son combat qu’il sait juste et que seuls dieu et son épouse semblent pouvoir comprendre et accompagner. Un film méditatif sidérant d’éclat, de force. Une symphonie visuelle captivante qui rend un hommage bouleversant à cet homme qui trouve la lumière en combattant l’obscurantisme et dont la fin à la fois tragique, poignante et sublime nous laisse KO. Je vous reparlerai de ce film qui mérite plus que ces quelques lignes.
Terminons ce bilan subjectif et sélectif du Festival de Deauville 2019 par un film dont la fin m’a également laissée KO : « Les Misérables » de Ladj Ly dont nous venons d’apprendre qu’il représentera la France dans la course aux Oscars. C’est en tant que lauréat du prix d’Ornano-Valenti (qui récompense chaque année un film français dans le but d'aider à sa promotion et son exportation) qu’il était présenté à Deauville, succédant aux « Chatouilles » et recevant le même accueil enthousiaste auprès du public du festival. Stéphane, tout juste arrivé de Cherbourg, intègre la Brigade Anti-Criminalité de Montfermeil, dans le 93. Il va faire la rencontre de ses nouveaux coéquipiers, Chris et Gwada, deux « Bacqueux » d’expérience. Il découvre rapidement les tensions entre les différents groupes du quartier. Alors qu’ils se trouvent débordés lors d’une interpellation, un drone filme leurs moindres faits et gestes. Ladj Ly nous plonge d’emblée dans le quotidien de ces policiers, et suscite notre empathie en nous mettant à la place de la nouvelle recrue qui, comme nous, découvre cet univers dans lequel la tension est palpable, constante et la réalité complexe. Loin de tout manichéisme, Ladj Ly filme en effet la réalité qu’il connait dans toute sa complexité, ses rouages, la perversité que cela engrange, obligeant la police à traiter avec les voyous pour solutionner certaines situations (ou parfois employant leurs méthodes, et franchissant allègrement la ligne rouge). La caméra à l’épaule nous donne la sensation d’être immergés dans cet enfer urbain dans lequel la corruption règne. Jamais le rythme ne faiblit. La tension est constante. Personne n’est idéalisé ou épargné et, dans leur intimité, les policiers apparaissent tout aussi misérables que ceux qu’ils poursuivent. Le titre qui se réfère à la ville de Montfermeil (où se situent des passages des « Misérables ») fait ainsi le lien et les réunit dans une même réalité après un début sur ce qui les réunit aussi, le drapeau, la coupe du monde. « Sans cohésion pas d’équipe et sans équipe on est seul », entend-on ainsi, ce qui s’applique alors à l’un et l’autre des deux « camps ». Avec Laurent nous découvrons cet équilibre précaire qu’un rien pour conduire à s’embraser jusqu’au chaos final, un final explosif, un piège qui se referme inexorablement. L’enfermement, encore. Une scène couper le souffle. Un final terrible et d’une logique implacable après un crescendo éreintant. Un final après lequel il était apaisant retrouver la douceur des planches, la mélancolie charmante de Deauville qui n’a rien à envier à celle de « Un jour de pluie à New York » dont la phrase me revient aujourd’hui encore comme un leitmotiv : « C’est la vraie vie. Laisse-la à ceux qui ne trouvent pas mieux » et me donne l’envie de m’installer à une terrasse sur les planches. D’y observer le film de la vie. Ou d’y relire « Gatsby le magnifique ». Alors, en attendant de me replonger dans les livres de Francis Scott Fitzgerald, un peu de Victor Hugo :
Après cette édition 2019 qui a su allier glamour et exigence artistique, mythes et engagement (films, femmes et cinéastes engagés étaient à l'honneur cette année) et révéler de nouveaux talents, je vous donne rendez-vous en 2020 pour la 46ème édition du Festival du Cinéma Américain de Deauville qui aura lieu du 4 au 13 septembre et, en attendant, dès vendredi au Festival du Film Britannique de Dinard.
Ci-dessous, quelques photos complémentaires de Deauville aux couleurs du Festival du Cinéma Américain.
Je suis l'auteure de toutes les vidéos et photos de cet article. Merci au photographe Dominique Saint pour les photos de tapis rouge à retrouver sur mon compte instagram @Sandra_Meziere. Merci au CID, au magazine Normandie Prestige 2019 (dans lequel vous pourrez notamment retrouver mon article bilan de l'édition 2018 du festival), et à la radio France Bleu Normandie pour l'interview rituelle en direct du festival. Je continue à vous parler de Deauville, en fiction cette fois, puisque, après mon recueil "Les illusions parallèles" (Editions du 38) qui comprend deux nouvelles se déroulant dans le cadre du festival, Short Edition vient de sortir cette semaine un recueil dans lequel figure une de mes nouvelles, lauréate d'un de leurs concours d'écriture dont l'intrigue se déroule à... Deauville.
